Azrael – Código infinito – 2014

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 Azrael – Código infinito – 2014

Este álbum de Azrael, séptimo desde aquel lejano Nada por nadie de 1996, me parece el mejor de todos, el más equilibrado, el álbum donde Mario Gutiérrez ha sabido combinar su talento con la guitarra con unas composiciones de manual y una interpretación (junto a Enrique Rosales) hermosa, dura, pirómana o comedida según la canción. Y Marc Riera da el cien por cien en cada canción, un vocalista nunca suficientemente valorado, jugando con los agudos, clavando las melodías, trabajándose unas armonías que se te meten en la cabeza a poco que les prestes tus oídos, un cantante sin excesos pero siempre acertado.

Escucha directamente Más allá del cielo para entender estas afirmaciones: equilibrio entre caricias y rudeza, intro suave, crescendo en el puente y estribillo rompedor, todo adornado con guitarras diez; ese momento voces/batería, genial. Disfruto con La última frontera, ese ritmo cortante, esa especial manera de cantar de Riera el buen puente/estribillo (“No busques en vano consuelo a tu dolor, mario y javi 2camina despierto, comete algún error”), el fenomenal trabajo de teclado, la progresión, el solo de guitarra y teclado, las armonías finales.

Además, al elegir Al amanecer para abrir este Código Infinito te dejan claro lo que hay: rápido y preciso, con un estribillo tremendo y un solo de guitarra marca de la casa.

Castigo entra muy bien, suave en el conjunto, con unas armonías vocales buenas; me gusta la letra. Del mismo modo Nada eterno se pega con esas melodías que voz y teclas recrean. Bipolar trae un toque distinto, basado en ritmos y cambios, una dupla de guitarras hilvanada con mucho arte y un punto agresivo que engancha, acorde a la historia que cuenta (ahora arriba, ahora abajo). Y el cierre con Bajo las sombras me sorprende, tema elaborado, con voces duras, letra directa (“cuando acabarán las tiranías, rompiendo la barrera entre nuestro mundo y el suyo”/”miles de vidas bajo el mando de unas pocas”/”ellos tienen que luchar por pasar un día más”), cambios que me recuerdan incluso al rollo …And justice for all.

Las canciones lentas, las baladas, son una pequeño espina en la carrera de Azrael, falta ese tema que rompa la sala. Paraíso perdido, sin salirse, tiene melodía, interpretación (un toque Malmsteen) y letra (“como el mar a la bahía, como piedras del camino, como sangre en tus heridas, paraíso perdido”).

A estas alturas, no puedo evitar afirmar que este trabajo no envidia a otros de bandas mucho más valoradas como Warcry o Tierra Santa, y lo disfruto junto a discos geniales de este año que agoniza, como los de Sacramento o Lords of Black.

Código infinito lo hacen grandes músicos con buenas canciones. Además de Marc Riera a la voz y Mario Gutiérrez a las guitarras, Javi Saavedra está inspirado en los teclados (La última frontera, Castigo, Paraíso perdido), la pareja rítmica cumple a la perfección con su cometido una vez más, pero me gusta la batería de Manuel Arquellada “Maolo” (1001 caminos, Bajo las sombras), sin menospreciar el bajo de Salas o la segunda guitarra de Enrique Rosales.

Si has leído hasta aquí, no es evitable escuchar con atención este trabajo de Azrael. Se lo merecen estos cincuenta y pico minutos de heavy.

Azrael – Más allá del cielo

Txarrena – Txarrena – 1992 – Primera aventura de “El Drogas”

Txarrena

 

Txarrena – Txarrena – 1992

Enrique Villarreal, más conocido por su apodo, El Drogas, cantante y bajista de Barricada, se lanzó en 1992 a su primera aventura en solitario, dando forma a un álbum personal lleno de buenas canciones. La música se grabó en los estudios Iz de Donosti con la producción de Enrique y Kaki Arkarazo a los controles. Además de El Drogas a la voz (mete algunas guitarras también, ningún bajo) aparecen numerosos colaboradores, entre ellos Alfredo y Boni de sus Barricada, y una banda más o menos permanente, compuesta por Txema Arteta (guitarra), Juanjo Ojeta (guitarra), Luis Chaves “Piti” (bajo) y José Landa (batería). La portada y el artwork lo realizó Ángela Moreno.

Entre las trece canciones encontramos temas como No paran de acariciar o El charco que contienen elementos diferentes a lo queEl-Drogas Barricada venían haciendo, con otra construcción, producción más oscura y la voz muy trabajada en el estudio, influencias de la música que por aquellos años sonaba en el rock internacional. Pero, sobre todo, abundan los estribillos made in El Drogas, melodías que viven con éxito en el álbum. Directo a la cabeza y Déjalo muñeca hubieran cabido en cualquier disco de la banda madre, mientras El lobo ferozPoca luz (menuda armónica guapa) o El peldaño más cercano rezuman esa especial manera de Enrique para encajar estrofas, puente y estribillo en un crescendo que engancha, muy bien arregladas. Un aire pop gustoso en Algo más que su cariño y la versión Frío de Alarma, una más de las canciones que aún perduran en sus directos. Momentos de encantadores arreglos en Nada sin ti (menudo solo de guitarra).

Y, cómo no, las genuinas letras de un tipo único en el panorama musical nacional. Frases contundentes como “es posible que nadie cuente el regreso creado con escombros de lo innecesario” o “quizá la respuesta del imbécil sea la mejor, pasar una cuerda por el cuello y dejarse caer”. Deja de lado las temáticas de carácter político o social y hace un trabajo introspectivo: el suicidio y la depresión (Piel de gato), la incomprensión (Empujo pa’kí), el amor o el sexo (Nada sin ti, Déjalo muñeca!!!).

Una obra para rescatar de vez en cuando, una rareza en la discografía de un tipo muy particular, el nunca imitable Enrique Villarreal, El Drogas.

Txarrena – Empujo pa’kí

Txarrena – Frío

Live after death: grupos de rock que resurgieron de sus muertos.

Guitarra Heaven

Grupos de rock que resurgieron de las cenizas de sus muertos

En la larga y prolífica Historia del Rock encontramos ejemplos para todo lo que queramos. Hoy nos acercamos a algunos grupos que renacieron, con más o menos fortuna, de las cenizas de un cadáver… grupos que padecieron la pérdida de uno de sus componentes (o más) y siguieron adelante con la cabeza bien alta, incluso ganando en adeptos. Hay más, pero estos son algunos de los que dejaron al muerto en el hoyo y se dedicaron a tirar del carro de su música.

AllmanBrothersThe Allman Brothers – Brothers and sisters – 1973

El cantante, guitarrista y líder Duane Allman murió en un accidente de moto tras alcanzar la fama con el imprescindible At Fillmore East. Poco después el bajista Berry Oakley fallecía también. Los restantes miembros, con Greg Allman (voz y teclas) y Dickey Betts (guitarrista y voz) a la cabeza siguieron adelante grabando este extraordinario álbum. Canciones memorables como Ramblin’ man (su one-hit-wonder), Jessica o Southbound. El álbum se ha convertido en el más vendido del grupo (lleva más de siete millones despachados en Estados Unidos) y uno de sus más aclamados musicalmente.

 AC/DC – Back in black – 1980ACDC

En febrero de 1980 fallecía el vocalista Bon Scott tras una noche de juerga. La banda se planteó dejarlo en aquel momento o continuar. Tras unas semanas decidieron tirar para adelante con el voceras Brian Johnson (un desconocido), meterse en el estudio para recoger las canciones que ya tenían preparadas (a falta de la letra) y completar uno de los discos más vendidos de la historia de la música, el disco negro por excelencia (más de 22 milloncejos en Yanquiland). Temas imprescindibles como Hells bells, What do you do for money honey, You shock me all nite long o la propia Back in black. Otro imprescindible.

MetallicaMetallica – …And justice for all – 1988

En septiembre de 1986 fallecía en un accidente de tráfico Cliff Burton, bajista, compositor y alma de Metallica. El grupo gozaba de cierta popularidad tras publicar uno de los mejores discos de thrash metal: Master of puppets. La muerte de Cliff sumió por una temporada al resto de miembros en un profundo pésame, quienes decidieron continuar reclutando al bajista Jason Newsted. Fuera de sus polémicas sobre la producción y otros dislates, …And justice for all representa el más ambicioso proyecto musical de estos músicos, tanto por la elaboración de los temas como por la calidad de unas interpretaciones exultantes. El éxito comercial del tema One les catapultó a la primera línea del heavy metal, les amplificó. No hay que perderse gemas como Blackened, Eye of the beholder o Harvester of sorrow.

Alice in Chains – Black gives way to blue – 2009AIC_FINAL_COVERsmall

La banda prácticamente desapareció entre el año 1999, donde grabaron dos temas para un recopilatorio, y el año 2005, cuando reaparecieron en un concierto benéfico. Los abusos de sustancias del cantante Layne Staley y su muerte a consecuencia de ellos en 2002 fueron la razón. El retorno con otro cantante no resultó fácil, pero en el 2009 publicaban Black gives way to blue con William DuVall en el micrófono (compartiendo la voz solista con Cantrell). La buena recepción de ventas y público les animó a seguir adelante: una segunda vida que, esperemos, sea muy larga. Escucha Check my brain o Your decision.

La verdadera historia de Frank Zappa (Memorias) – Frank Zappa

la-verdadera-historia-de-frank-zappa-memorias La verdadera historia de Frank Zappa (Memorias) – Frank Zappa – Malpaso Ediciones – 2014

Este no es, en realidad, un libro de memorias al uso. Ni siquiera lo ha escrito Frank Zappa, la verdad, no le gustan los libros. El periodista Peter Occhiogrosso cocinó este texto en base a diversas entrevistas, recortes de prensa y una tonelada de amistad con el músico. Frank se dedicó durante semanas a dar largas, revisar los textos, quejarse y meter historias según le iba entrando en gana. ¿El resultado? Un compendio de ideas, anécdotas y reflexiones al estilo Zappa. Un tipo “raro de cojones”, aunque él prefiere definirse como dadaísta y ejemplo del absurdo.

Si quieres saber cómo era el músico y el compositor te vas a empapar. Repasa tanto sus aventuras con The Mothers of Invention como sus composiciones “serias” para orquesta, cuanto más grande mejor. Reconoce haber perdido en grabaciones de cámara e intentos de llevar a la realidad sus obras el dinero que ganó con sus discos de rock. Lo intentó una y otra vez hasta que lo consiguió: tan poco le gustó el resultado final que dijo “ahí os quedáis” y mantuvo inéditas la mayoría de sus partituras. ¿Alguna vez las escucharemos?

Se destapa con críticas ácidas hacia todo lo que se menea. Frank era un músico que participaba en la opinión pública, con sus letras, con su actitud. Un tipo inteligente que adoraba “la verdad”, que intentó remover y descuajaringar lo establecido a través de su creatividad musical, con su “rock de guitarras”, con su inmensa capacidad compositiva.

Da caña, sobre todo, a la cultura (incultura) musical de su país. Según él la gente no quiere buena música y mucho menos las compañías de discos. Quieren una melodía, cuanto más familiar mejor, cuanto más reconocible más fácil, y si le pones “un ritmo superconocido” (bum-bap, bum-bum-bap: 120 pulsaciones, 4/4) mejor, eso se vende. ¿La música que le gusta a Zappa? Esa se la ha tenido que pagar él mismo. Porque Frank afirma que un compositor va “por ahí forzando a su voluntad las moléculas del aire incautas, a menudo con la asistencia de músicos incautos” y cualquiera puede ser compositor “en cualquier momento, en cualquier lugar, sin motivo alguno”.

Sus encuentros y encontronazos con otros famosos del gremio resultan curiosos. Cómo convenció a Simon y Garfunkel para que le telonearan, sus escarceos con Hendrix, cómo se lo montaba con Jagger o el día que Eric Clapton le presentó a Cynthia Plaster-Caster y su colección de penes de escayola. Y no puedes perderte sus teorías sobre los músicos del rock y “la gran mamada”.

Pero, para raros, algunos de los tipos con los que se codeó en su vida, sobre todo en los sesenta. Para muestra, Bill: su hobby era recoger maniquíes, pintarlos y vestirlos como una familia (incluída una niña), ponerles prótesis para poder follárselos y compartirlos con sus amistades cuando organizaba fiestas en casa. Bizarro a más no poder.

Y, para el final, su crítica a los críticos del rock: “los críticos con conocimientos técnicos para analizar la música no suelen dedicarse al rock and roll” y “si hay algo aburrido en el rock and roll, aparte de los programadores de las emisoras de radio (…) no es otra cosa que los textos de los periodistas de rock”. Pues eso, tomemos nota.

 

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Versioneando: las mejores versiones de Aerosmith

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Versioneando: las mejores versiones de Aerosmith

Aerosmith han gustado de rellenar de versiones su dilatadísima discografía, a veces con vocación de dar nueva vida a canciones favoritas, otras con la sana intención de pasar un rato. En cualquier caso, el estilo particular de estos tipos, sobre todo la voz de Steven Tyler y la guitarra de Joe Perry, nos han dejado varias revisiones de temas más o menos conocidos al “estilo” Aerosmith. Aquí, algunas de nuestras favoritas (y no ha sido fácil). Adelante… just push play!!

Walkin’ the dog (1973)

Formó parte de su debut homónimo. La original la compuso y grabó como single Rufus Thomas en 1963.

 

Remember (walking in the sand) (1979)

Con Jimmy Crespo en las guitarras en lugar de Joe Perry, se incluyó en Night in the ruts. Uno de los pocos temas rescatables. The Sangri-Las la hicieron single de éxito en el verano de 1964.

 

Stop messin’ around (2004)

Para el álbum Honkin’ on Bobo escogieron un selecto puñado de canciones y les dieron su toque personal. Buena recreación de este tema que Fleetwood Mac grabaron en 1968.

 

Milk cow blues (1977)

Un viejísimo blues de 1934 a cargo de Kokomo Arnold pasado por la licuadora Aerosmith.

 

Come together (1978)

Aunque más cercanos a “los Rolling” que a “los Beatles”, no hicieron ascos a aparecer en un disco homenaje a los Fab Four con una recreación de Come together. La original se escucha en el Abbey Road de 1969.

 

Train kept a rollin’ (1974)

Quizá la cover más famosa de los bostonianos, original de Tiny Bradshaw (1951). El cantante Steven Tyler se enamoró de la versión que The Yardbirds popularizaron a mitad de los sesenta. Una gozada.

 

69 revoluciones – Nornoroeste – 2014

69 revoluciones

69 revoluciones – Nornoroeste – 2014

Para un tipo que ha seguido a 69 revoluciones desde hace años la primera escucha del álbum se hace difícil. Y vaya por delante que Nornoroeste contiene una colección de canciones excelente, muy bien trabajada, con inspiración y ese punto de entusiasmo necesario para poder disfrutar como oyente. Solo que suena a algo distinto, a un paso en otra dirección, espero que con las ideas tan claras como aparentan en estos once cortes. Total, que después de cuatro, cinco escuchas antepongo la calidad del conjunto a mis manías y tanto si es la primera vez que los vas a escuchar como si eres de los que les coleccionas, no vas a sentirte defraudado.

Por si no los conoces, la voz la pone Teo Fernández, la batería Jota Armijos, el bajo Edu Jerez (y el contrabajo y el arpa y la armónica y lo que haga falta), el piano y las guitarras Gabriel Poza y más guitarras y el pedal steel Santiago Ruiz. Lo producen ellos mismos en un “yo me lo guiso yo me lo como”. El artwork de Santiago Ruiz, sencillito pero resultón, con grises y rojos.

Respecto al contenido musical, comenzar con dos temas tan rítmicos como Lo que iba a acabar bien y Ángulo muerto puede servir para enganchar al oyente (o para hacerle fruncir). El primero69revoluciones-band14 me parece más redondo, tanto por el toque protagonista del pedal steel como por un final in crescendo bien logrado. El segundo queda un poco a medias, con buenos cambios pero falto de punch, aunque tras varias escuchas se te queda pegado en la cabeza el cabrón. Héroes de barrio trae una de las mejores letras, buenos cambios y un estribillo pegadizo: un single para orejas fáciles (si las radios comerciales programaran un poco de rock de verdad). Árido es uno de mis favoritos, con ese rezume a sonidos viejunos, una estupenda guitarra, la banda muy compacta, canción bien arreglada (Jota, de lo mejor): cuando se para a los dos minutos y pico el silencio grita un gran solo… y te lo dan (demasiado breve, esto pide alargarlo en directo).

En la instrumental Miranda me acuerdo de Richar Betts y esos guitarrazos, muy bien acabada, con un piano a cargo del invitado Iñigo Uribe. Poner un instrumental a mitad de disco crea una sensación de parte ” de antes” y parte “de después”. Y en cierto modo, así parece, pues esta segunda tanda se presta más a la comparación con lo que 69 revoluciones hicieron en discos anteriores. La tormenta mezcla una guitarra estupenda con una de las mejores interpretaciones de Teo, al viejo estilo. Hablando de Teo, se sale también en Tal vez al final: suena a cantante grande aquí. Gracias por el descuido juega en terreno far west, con fantásticas armonías y unas acústicas cercanas a Quique González. Prefiero el rocanrol sin avaricia de Acabar con todo, su sencillo riff, su directa al intercambio de caderas, su fácil canto.

Muy pronto en directo cerca de tu casa. En enero junto a The Quireboys. Dales una oportunidad si no les conoces y revisa su completa discografía. Y si ya sabes de qué van… ¡un poco más!

Lo mejor de Jero Ramiro

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Lo mejor de Jero Ramiro

Jero Ramiro es un fantástico guitarrista de heavy metal que ha vivido de este rollo durante los últimos casi cuarenta años. Luchador, gran compositor y fabuloso en directo, recogemos algunos de nuestros temas favoritos con tres bandas históricas: Ñu, Santa y Saratoga. Si quieres ampliar el catálogo y enterarte de ciertas curiosidades de su vida (¿sabías que comenzó con Ramoncín formando parte de W.C.?) o conocer sus otros proyectos (como Santelmo, por ejemplo), pincha en este enlace y visita su página web. Allá vamos.

Con Jose Carlos Molina trabajó en dos épocas bien diferentes de su vida, pero justo antes de fundar sus bandas emblemáticas Santa y Saratoga. Grabó uno de los mejores álbumes de Ñu, el titulado Fuego (1983), junto a otros grandes como Chiqui Mariscal (bajo) o Miguel Ángel Collado (teclista). Siete años después volvió a la banda de la mano de Niko del Hierro (bajo) para la grabación de Dos años de destierro (1990).

Ñu – Más duro que nunca – 1983

Ñu – La espada – 1990

La primera banda histórica creada por Jero llevó el nombre de Santa y tuvo a la genial Azucena a la voz en sus dos primeros álbumes (Reencarnación, 84, No hay piedad para los condenados, 85) y a Leonor Marchesi en el tercero y último (Templario, 86).

Santa – Fuera en la calle – 1984

Santa – Templario – 1986

Jero se dio una segunda oportunidad junto a Niko del Hierro en los años 90 al fundar Saratoga, completando una discografía extraordinaria a lo largo de más de diez años, con álbumes como Mi ciudad (97), Agotaras (02), El clan de la lucha (04) o su debut de 1995 con Fortu (Obús) a la voz.

Saratoga – Si amaneciera – 2004

Saratoga – Perro traidor -1997

 

Hasta aquí nuestro pequeño recuerdo a Jero Ramiro. ¿Qué canciones pondrías tú?

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