Música Moderna: enero de 2017

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¿Qué se cuece por el mundo musical de hoy en día? ¿Qué me llevo a las orejas de buena mañana? Nunca está de más traer por aquí la música que pasa por mi cerebro, recomendaciones que otros buenos oyentes me han hecho o que, directamente, he robado de páginas amigas. No dudéis en acercaros a cualquiera de estas propuestas, hoy centradas en las guitarras duras y afiladas en sus distintas vertientes. Será que he comenzado el año bien heavy… Dale al play.

Sunburst – Fragments of creation (2016) 

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No han caído en mis manos hasta hace pocas semanas pero me tienen flipado. De los mejores discos de heavy melódico que he escuchado en mucho tiempo. Buenas guitarras de riff extraordinarios, composiciones armadas con fiereza, un batería descomunal, un cantante más que correcto y, por supuesto, melodías gloriosas. Escucha la épica Remedy of my heart, la directa Out of this world o Dementia. Sería perfecto si la producción no fuera tan ¿moderna? Un poco de Chris Tsangarides o Martin Birch lo harían de diez. Por cierto, son griegos y este es su debut.

Zenobia – Alma de fuego II (2016) alma-de-fuego-ii

Tras más de diez años haciendo ruido, ocho después de Alma de fuego, estos riojanos han grabado su mejor obra, para mi gusto. Juegan en la liga de Saratoga, Azrael o Alberto Rionda, por si no los conoces. Mezclan muy bien guitarras y teclados en los arreglos melódicos y elaboran un conjunto equilibrado, con varios temas que apetece escuchar una y otra vez. A mí me enganchan Ángel negro (clásicos punteos y estribillo), el riff pesado de El pacto, el toque power de Militia est vita o las voces de Corazón de hielo. Adolece de sorpresas pero tampoco se echan en falta. A subir el volumen.

cover Uli Jon Roth – Tokyo Tapes Revisited – Live in Japan (2016) 

El viejo guitarrista rindió un homenaje en febrero de 2015 a su etapa con Scorpions grabando este directo en el mismo escenario donde los germanos grabaran su célebre Tokyo Tapes (1978). Como aquí adoramos aquellos años de Uli Jon Roth con Scorpions no podía faltar una escucha a este álbum. Publicado apenas hace unos meses, Uli demuestra estar en gran forma, la producción es estupenda y la banda cumple con creces. Nathan James mantiene el tipo a las voces, por cierto. No esperéis “el mismo” concierto, pues han elegido canciones “más Uli” y un par de versiones. Pincha directamente los 15 minutos de Dark Lady, la veloz Virgin killer, Longing for fire, la mágia de We’ll burn the sky o una de mis favoritas, In trance. Un (no)guitar hero imprescindible.

Doble Esfera – Rock and roll del siglo XXI (2016) 14570471_1234067823322891_3207901082016572682_n_zpsh3cremfg

En este EP los murcianos lo explican muy claro: son malos tiempos para el rock and roll. Pero cantan esperanzados y con “fuerza y honor” se cargan las pilas contra los tiempos oscuros de este inicio del siglo XXI. Y estos son de los que demuestran con hechos. Menuda caña en cinco temas de corte hard rock clásico en la composición con arreglos metaleros, sonido desnudo, crudo, directo, pero arreglado con cierta elegancia. Lo mejor: Doble Esfera ha desarrollado su propio estilo, suenan a ellos mismos. Las guitarras son un valor seguro, desde luego, en Rebelión o la propia Rock duro del siglo XXI. El final con Sangre y sudor, un tema de corte progresivo y más de siete minutos, deja ganas de más. Buenas letras, por cierto. Sería la bomba que pudieran sentarse con tiempo y dinero a grabar un álbum largo. Salud y rocanrol.

Y de regalo algunos vídeos…

Videoclips contrahegemónicos que deberías ver y escuchar

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Acabo de comenzar a leer La dictadura del videoclip de Jon E. Illescas, libro del que, espero, dar buena cuenta por aquí en breve. Pero no quería pasar la ocasión de compartir algunos videoclips de los que él llama contrahegemónicos: el discurso de Illescas en el libro versa, principalmente, sobre el poder de los videoclips en el comportamiento social, especialmente de los jóvenes. Denomina hegemónicos a los videoclips más vistos, siempre aceptados y proyectados en el ciberespacio y los medios masivos por los poderes dominantes con intención de dar una imagen concreta, un modelo a imitar que sea manipulable y dócil.

Así, los videoclips contrahegemónicos son aquellos que molestan, que llaman la atención sobre los lados oscuros de la sociedad, los que llaman a la protesta, a la lucha, a no conformarse, a ser diferente.

Yo he recogido algunos ejemplos del libro, todos en castellano, pero te animo a que añadas o propongas aquel que te venga en gana: vivan los videoclips y las canciones contrahegemónicas.

Boikot – Stop censura

Buena Fe – Fuera

Calle 13 – Latinoamérica

Gatillazo – Esclavos del siglo XXI

Los Chicos del Maíz con Habeas Corpus – T.E.R.R.O.R.I.S.M.O.

No Relax – Persona normal

Riot Propaganda – El miedo va a cambiar de barrio

Rosendo – Verguenza torera

Sínkope – El caldero y la sed

Ska-P – Se acabó

 

Y aquí, un par que yo añado…

Reincidentes – La infancia en un cargador

La Raíz – Rueda la corona

 

Daos prisa no sea que nos censuren…

Versioneando: las mejores versiones de Helloween

 

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Versioneando: las mejores versiones de Helloween.

Además de un álbum de versiones (Metal Jukebox), la banda alemana Helloween ha repartido numerosas versiones a lo largo de su larga carrera, principalmente como regalo en singles y re-ediciones. Aquí va nuestra pequeña selección, las canciones que, a nuestro gusto, mejor les quedaron.

 

Blue suede shoes – 1991

En el primer álbum sin Kay Hansen, en el primer single, metieron esta tonadilla que Carl Perkins compusiera y grabara en 1955. La hizo tremendamente famosa el mismísimo Elvis Presley.

 

He’s a woman, she’s a man – 1999

De su álbum de versiones Metal Jukebox rescatamos esta cover de Scorpions. La original aparece en el álbum Taken by force de 1977, una de las pocas que el batería Herman Rarebell compuso. No en vano, habla de una noche en la que ligó con una mujer que era un hombre… o al revés.

 

Fast as a shark – 2003

Como acompañamiento de la edición japonesa del álbum Rabbit don’t come easy entregaron esta bestial adaptación de un clásico de Accept, quienes por 1982 la grabaron en uno de sus clásicos, Restless and wild.

 

Cold sweat – 1994

De una de mis bandas favoritas, Thin Lizzy, hacen una recreación muy buena de la época con John Sykes a las guitarras, aquel Thunder and Lightning de 1983. Helloween la editó con el single Perfect gentleman.

 

 

Rain – 1996

Curioso el resultado de escuchar a Andi Deris y Michael Weikath interpretando una canción de Status Quo. Los germanos la editaron en el single de Power; la original fue single del Blue for you de 1977.

 

I stole your love – 1999

Se marcaron una buena versión de KISS para la re-edición del Master of the rings de 1999. Los “carapintadas” la pusieron en su álbum de 1977 Love gun.

 

 

El grunge antes del grunge: 25 años del éxito de Nirvana.

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El grunge antes del grunge: 25 años del éxito de Nirvana.

 

Hace ya 25 años de la edición de algunos álbumes emblemáticos que dieron origen al grunge, quizá la última gran revolución musical en el rock. A saber, todos editados en 1991: Nevermind de Nirvana, Badmotorfinger de Soundgarden, Facelift de Alice in Chains o Ten de Pearl Jam. Entre los cuatro juntan más de treinta millones de discos vendidos. Pero hace justo 25 años nada ni nadie hacía presagiar semejante boom. Salvo la banda de Chris Cornell, ninguna había apenas salido de Seattle, caldo de cultivo del movimiento musical que, pocos meses después, se bautizó con la etiqueta grunge, se comió el mercado musical y convirtió en moda las camisas de leñador, los pantalones rotos y los looks desaliñados.

Pero antes de que el grunge fuera realmente conocido, antes de que la MTV convirtiera en canción de moda a Smells like teen spirit, antes de que a estos tipos nos los pusieran de paladín de lo vendible y lo comprable, hube un montón de bandas haciendo sus pinitos, editando discos y pegándose la paliza a conciertos y fiestas salvajes. Mucha droga, muchas ilusiones y algunos grandes álbumes de aquellos pioneros del movimiento. Si no eres asiduo, además de los famosos ya citados, da una escucha a Temple of the Dog o a Mother Love Bone.

He aquí nuestra pequeña selección de la música (mal llamada grunge) que fabricaban en Seattle antes del éxito comercial y la catarsis de estadios.

 

Green River – Rehab doll – 1987

 

Soundgarden – Louder than love – 1989

 

Mother Love Bone – Apple – 1990

 

Mudhoney – Mudhoney – 1989

 

Screaming Trees  –  Buzz factory – 1989

 

Alice in Chains – Facelift – 1990

 

Temple of the dog – Temple of the dog – 1990

 

Sonic Youth – Goo – 1990

 

TAD – God’s ball – 1989

 

Nirvana – Bleach – 1989

 

Y como curiosidad, por si no lo sabías, esto es el teen spirit que inspiró la canción de Nirvana

 

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Tom Petty and The Heartbreakers – She’s the one – 1996

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Tom Petty and The Heartbreakers – She’s the one – 1996

Tom Petty, en el verano de 1996,  editó esta banda sonora como soporte de la película She’s the one dirigida y escrita por Edward Burns. El propio compositor despotrica de este trabajo y confiesa que la hizo un poco por obligación y un poco por el mal momento personal y económico por el que pasaba. Básicamente, compuso un par de canciones, eligió un par de temas para versionerar y los descartes de Wildflowers y se metió en el estudio. Pues Tom, amigo, te quedó un refrito muy entretenido, no uno de tus grandes discos pero sí de los más agradables de escuchar: inspirado, bien acabado, con buenas guitarras y una interpretación de la banda de nivel. No desperdiciarás tu tiempo si te la empapas enterita. Además, funciona estupendamente como álbum, más allá de sus referencias a una (floja) película.

Tom Petty y sus Heartbreakers suenan ligeros,  como banda bien empacada, pero  nada de complicaciones. Temas sencillos, un par de canciones excelentes, algún pasaje instrumental, aunque con ciertos momentos de inconsistencia; si hubiera descartado tres o cuatro cortes el disco habría ganado. Por momentos se acerca al Dylan eléctrico en demasía y en ocasiones se copia a sí mismo, pero, vaya, una banda sonora permite ciertas licencias al artista.

Lo mejor del álbum está al principio. La grandiosa Walls (Circus), una lograda canción pop con un acertado arreglo vocal. El rock casi acerado de Zero from outer space con sello Heartbreakers. Climb that hill tiene un toque especial a pesar de un estribillo simplón y una evolución contenida. Benmont Tench y Mike Campbell se llevan el premio en Grew up fast (“we grew up smashed/and we grew up alone”). Las soberbia versión de Change the locks (de Lucinda Williams) con su crescendo resulta muy acertada,  igual que Asshole de Beck, calmada, suave. Para el final reservamos Supernatural radio, emotiva, inspirada y el pop aseado de Hope you never, temas bien acabados, como  Walls (Nº 3).

Producido por el propio Petty junto a Rick Rubin y Mike Campbell, cuenta con numerosos invitados: Ringo Starr, Carl Wilson o Lindsey Buckingam entre otros. La banda que arropa a Tom (quien canta y toca guitarras, armónica, piano, lo de siempre) la conformaron Mike Campbell a las guitarras, Curt Bisquera a la batería, Benmont Tench a las teclas y Howie Epstein al bajo.

Una banda sonora a recuperar, especialmente si eres fan de Petty y los sonidos americanos.

La banda sonora en completa puedes escucharla en este enlace.

 

 

Flayst – Burning eden – 2016

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Flayst – Burning Eden – 2016

Nunca me ha resultado fácil destacar un álbum de (eso que llaman) melodic death metal o cualquiera de sus variantes, principalmente por mi falta de conocimiento y, digamos, sensibilidad hacia el género. Sin embargo, cuando me enfrenté (por recomendación) a este Burning Eden de los suizos Flayst encontré algo diferente que me atrajo. Ignoro si en el conjunto de discos publicados este año del mismo estilo será de los mejores o no. Tampoco importa. A mí me gusta.

Flayst aúna un buen trabajo melódico alternando pasajes sucios y agresivos con otros limpios, siempre con un sonido cuidado, varias interpretaciones de guitarra excelentes, un gran batería y, por qué no, algún estribillo pegajoso. No en vano, en su propia página web se jactan de mezclar lo mejor del death con ambientes electrónicos y ramalazos rock y hasta pop. En fin, un estilo homogéneo en realidad que a veces recuerdan a Paradise Lost, otras a Dark Tranquility y hasta a unos Iron Maiden death. La banda la forman Jonathan Fernandez (Jo) e Ismael Röig (Isma) a las guitarras, Philippe Roig a la batería, JP al bajo y a los teclados (muy acertado)  y Fred a la voz, alternando los guturales y las voces agresivas con una más que correcta entonación melódica en las partes limpias.

Diez canciones (incluyendo una intro, un interludio y un instrumental) entre las que destaco y recomiendo pinchar en primer lugar Liberation y Until the end of time. En Liberation un buen riff da entrada roquera a una composición con cambios de ritmo, un doble bombo de libro, un estribillo sencillo, ese toque “industrial” del teclado y un buen solo de guitarra. Una estructura similar tenemos en Until the end of time, con algo más de caña en las guitarras y otro excelente teclado. El ambiente de (N)everlasting dream junto a una de las mejores interpretaciones vocales y sus excelentes guitarras no desmerecen. El estribillo, el solo y la parte final de Caught in the undertow le dan un toque especial al tema en el conjunto. De las más cañeras Burning Eden, pareja ideal para romper cuellos y desgañitar gargantas con Revenge.

Un disco accesible, currado, con momentos excelentes a cargo de unos músicos “pelados” de patear escenarios.

 

Algunos discos que sigo escuchando (9): especial blues rock.

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Algunos discos que sigo escuchando (9): especial blues rock.

A los que seguís el blog no os extrañará una entrada dedicada al blues rock. Ya tenemos una sección en marcha sobre los clásicos del blues llamada Blues para novatos que retomaremos dentro de poco. En esta sección, además, solemos pasar revista a discos que siguen sonando por nuestras vidas, casi siempre música de grupos nacionales. Pero, mira por dónde, hoy apetece retomar algunos discos de blues rock recientes que nos encantan: si no los conocéis o no os gusta el estilo, sirven como introducción, tanto a los propios artistas como al género. Y si ya os suenan, a recuperarlos.

He aquí nuestra pequeña memoria con algunos discos de blues rock que nos encantan.

king-king-reachingforthelightKing King – Reaching for the light

Alan Nimmo es el crack tras el nombre de King King: cantante, compositor y guitarrista, demuestra un gran nivel compositivo, una furia y un bien hacer con la guitarra y una corrección vocal por encima de sus homólogos (entiéndase: guitar hero frontman). Por momentos me recuerda a Paul Rodgers (Rush hour). El guitarreo épico de Take a look o las iniciales Hurricane (ese toque hard) y You stopped the rain, con su pegajoso estribillo, bastarían para calificar este disco como excelente. Pero el resto no desentona. Lay with me con su adorable piano y la final Stranger to love demuestran la sensibilidad de este tipo. Le acompañan Bob Fridzeman a las teclas, Wayne Proctor a la batería y Lindsay Colson al bajo. No te lo pierdas.

 

The Heavy Eyes – He dreams of lions the-heavy-eyes-hedreamsoflions

Un disco nacido en pleno 1970, con su blues psicodélico, su rabia heavy primigenia, un poco de Cream, un poco de Black Sabbath, mucho fuzz y distorsión para atronar el salón de casa. Pero con inteligencia, con técnica, con buenas composiciones. Sobervio riff y tempo en Hail to the king baby, genial guitarreo en Z-Bo y temazo definitivo para cerrar con Modern Shells y sus tres minutos largos de final acústico. No esperes pausas. Todo el disco es un compendio de riffs blues y hard rock. Una pareja rítmica bestial, especialmente el bajista Wally Anderson (escucha Shadow shaker o The fool), pero sin desmerecer a las baquetas Eric Garcia. Voz y guitarra a cargo de Tripp Shumacke. No dejes de subir el volumen con el tema título, He dreams of lions.

anthony-gomes-electricfieldhollerAnthony Gomes – Electric field holler

Conocí a Anthony Gomes con su álbum de 2012 Up 2 Zero, que también os recomiendo, pero fue con este Electric field holler (su décimo de estudio si no recuerdo mal) que me enganchó definitivamente. Un tipo que mantiene el feeling en la voz de Steven Tyler pasado por lo mejor de la vieja escuela y destroza la guitarra a medio camino entre Hendrix y Kossoff, con un sentido melódico muy particular. La inicial Turn it up o Whiskey train dan una idea del rollo divertido que maneja el álbum, con riffs aparentemente sencillos, líneas melódicas que enganchan y buenos punteos y solos. En ese sentido, Love crazy es mi favorito, quizá con Back door scratching. Y de regalo, recomiendo pinchar The blues ain’t the blues no more (con su tono acústico) y Junk in the trunk. A por él.

Robert Jon and the Wreck – Good life pie robert-jon-goodlifepie

Este es más reciente, de este año vaya. Disfruté un montón con el anterior Glory bound y, aunque tarde, le hinqué con ganas las orejas a este completo Good life pie. Si conoces a la banda, blues souther rock con buen Hammond y momentos slide bien conseguidos, como en una de mis favoritas, Hit me like you mean it. Canciones muy melódicas, con un buen cantante y una banda que imagino tocando en un tugurio de Arkansas o Alabama lleno de humo y cerveza. Escucha la pegadiza Rollin’ o Good life pie, con su rollo Allman Brothers ,o el juego rítmico de Bad for you, con su fuzz incluído o Good lovin’ con su momentazo hard guitarrero. Pasajes de calma no pueden faltar en un álbum de este tipo, y aquí tenemos The death of me o Sweet Angelina, con excelentes acústicas. No desperdicies la ocasión de escuchar Good life pie o su anterior Glory bound. Robert Jon Burrison comanda la nave, con su voz y su guitarra, junto a Andrew Spantman a la batería, Steve Maggiora a los teclados, Kristopher Butcher como guitarrista principal (solos, slide) y Dave Pelussi al bajo.

Aquí os dejo una pequeña muestra de estos discos.

 

 

 

Marte y rocanrol: canciones rock inspiradas en el planeta rojo.

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Marte y rock and roll.

El planeta Marte ha inspirado canciones, películas, libros, en fin, a todo tipo de artistas a lo largo de los siglos. Hoy queremos traer una pequeña recopilación de canciones rock inspiradas en Marte que no tienen que ver directamente con los viajes espaciales o los utilizan como justificación para tratar otro tema (amor, crítica social). Hay muchos y resulta difícil escoger un puñadito, pero, como siempre, para gustos los colores… del planeta rojo.

Nuestra pequeña selección de rocanrol marciano.

Sammy Hagar – Marching to Mars

Una verdadera odisea marciana con cierta ironía: “here we go marching to Mars (…) to solve the problems on Earth (…) Hollywood is marching to Mars for a grand new movie”. Editado en el álbum de 1997 de mismo título.

 

Stone Temple Pilots – First kiss on Mars

Jugando con las palabras, Scott Wiland (cantante) sitúa su pregunta “can we really find love?” en un escenario marciano donde “super magic robots set the solar sistem free”. Una pasada de vueltas, pero extrañamente funciona. De su álbum Stone Temple Pilots de 2010.

 

The Misfits – Teenager from Mars

Grabada para el álbum Static age de 1978, juega con el doble significado de ser un adolescente raro e inadaptado con ser un invasor del planeta Marte: “our cause, unjust and ancient in this B-film born invasion (…) teenagers from Mars and we don’t care”.

 

Hawkwind – Uncle Sam’s on Mars

Los reyes de la música “espacial” se ponen irónicos en este tema. El “tío Sam” se va al espacio pero: “I hope you brough your credit car with you” porque “McDonald Hamburguer Construction works”.

 

Rob Zombie – Mars needs women

“Mars needs women, angry red women, Mars need women, fuck in outer space” canta Rob Zombie en esta extraña canción que puede admitir una doble interpretación. De su Hellbilly Deluxe 2 del 2010.

 

Coldplay – Moving to Mars

Con un aire de doloroso amor mezclado con ciencia ficción, en su EP de título Every teardrop is a waterfall narran el dolor de la separación de los amantes con cuenta atrás incluida. Un viaje forzoso.

 

 

Bad Religion – Fields of Mars

Tan irreverentes como de costumbre, en su disco de 2007 New maps from hell grabaron este alegato anti-bélico: “I’ll see you high above the fields of Mars (…) he knelt down before the unholy and cried: War is God”.

 

David Bowie – Life on Mars?

Esta de Bowie no podía faltar. Un año antes de transformarse en Ziggy Stardust metió este tema en su álbum de 1971 Hunky Dory.

 

Y de regalo, una sonrisa… La reina de Marte de Phineas & Ferb.

The Answer – Solas – 2016

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The Answer – Solas – 2016

Sexto álbum de The Answer que mejora el álbum anterior, pero que va a acarrearles muchas críticas negativas. Si hace un año se les tildaba de inmovilistas y de realizar un trabajo plano, ahora les caerá por haber buscado sonar diferentes, alejarse de ese corsé en el que se habían metido ellos solos. Un riesgo que puede interpretarse como madurez, como agotamiento, como búsqueda de lo comercial.

Así todo, en Solas hay varios aciertos. Las armonías vocales y el trabajo melódico destacan en todos los temas. Las guitarras son excelentes por parte de Paul Mahon bien acompañado al bajo por Micky Waters. Cormac Neeson ofrece un nivel vocal impecable, siempre correcto, a veces sorprendente, a medio camino entre Gillan y Rodgers. Las composiciones resultan variadas, la disposición a lo largo de la escucha permite mantener la atención alternando los temas más “serios” con los más “directos”. En fin, un álbum bien hecho que se deja escuchar y esconde algunos diamantes entre su minutaje. En cambio, se ha perdido la furia, el buzz, el apogeo salvaje del desenfreno, el blues-rock: aquí todo está medido y controlado. Y quizá falte un poco de caña en la batería de James Heatley y un par de buenos solos de guitarra.

the-answerLas canciones de este álbum pueden dividirse en tres grandes grupos. Aquellas donde lo profundo se impone, con ambientes y letras trascendentales, la instrumentación compleja; aquellas de corte comercial, incluso popero, con estribillos fáciles y estructuras clásicas; aquellas acústicas, basadas en fraseos o arpegios que crecen y se armonizan, creando medios tiempos y baladas.

En el primer grupo, cabría comenzar por el principio, por una vez, y destacar Solas. Batería, teclado, bajo, guitarra, voz, van sumándose para comenzar “do you ever stop to wonder the reason we are here”, un tema que va subiendo de manera repetitiva, añadiendo capas y variaciones a la figura principal “what the light don’t feel the darkness kill”. Engancha con los violines de Beautiful world, de mis favoritos, que sigue la pauta del anterior, aunque más misterioso y oscuro. Neeson juguetea con los tonos, aparece y desaparece hasta alcanzar el ruidoso estribillo donde las guitarras se comen los altavoces. Aún jugando con los tonos acústicos, Thief of light es un canto oscuro, profundo, disarmónico, de voces dobladas “brand new day freedom is coming”. Encaja a la perfección con la siguiente, Being begotten, “poor over me again, you are every voice I can hear”, reflejo de entrega con un fraseo de guitarra estupendo; el detalle de las voces en segundo plano da un toque torturado al tema.

En el segundo grupo de canciones, digamos, comerciales, jugando peligrosamente con el pop más insulso, destaca la luminosidad de Untrue color, con su aire Brit Pop noventero y ese estribillo pegajoso. Tufazo a directo tiene Left me standing, por su riff machacón, las armonías, el fraseo vocal y el rápido estribillo, carne de radiofórmula si el rock estuviera de moda. El dúo en Real life dreamers resulta curioso pero no es gran cosa, aunque me agrada el trabajo de guitarra. El aire folk de Demon driven man y su sencilla estructura resulta una escucha refrescante pero nada del otro mundo. Y otra gran canción de título Battle cry a medio camino entre lo acústico (estupendo arpegio inicial, marca de la casa), el tufo irlandés y lo comercial, bailando hacia un estribillo rítmico “I know I’m not invincible” con un final que invita a cantar  “You are the light, you are the battle cry”.

En el tercer grupo, las canciones más íntimas, de corte acústico, me quedo con In this land, sin duda, madura, basada en un arpegio de guitarra que se adorna hacia un puente y un estribillo con (de nuevo) agradables armonías “in this land we know we are alone”. La final Tunnel contiene un trabajo de composición destacable para una canción triste “we don’t know what is wrong or what is right” (buen trabajo de Waters al bajo).

Seguro que Solas será un álbum de amor/odio. Aquellos que os quedéis con The Answer más guitarreros y sucios lo odiaréis y aquellos que apreciéis las sutilezas de sus arreglos y sus canciones más íntimas lo amaréis. A pincharlo ya mismo.

Las canciones de John Teller y Sons Of Anarchy

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Las mejores canciones de Sons of Anarchy.

Hoy hace 23 años que murió John Teller tras un “accidente” de moto. Para todos aquellos que habéis disfrutado de las siete temporadas de Sons Of Anarchy (SOA) no necesito decir más. La banda sonora está llena de deliciosos momentos musicales, tanto más significativos en cuanto conforman un todo complementario con las imágenes, con la historia que sostienen. Algunas canciones, quizá, ganen por ello, pero, en fin, de eso se trata, de conseguir emocionar, transmitir. Por cierto, muchas canciones están interpretadas por la banda residente de la serie, The Forest Rangers.

Para quienes no conozcáis Sons Of Anarchy es un buen momento para descubrir particulares versiones, excelentes originales y algún cameo famoso.

Aquí está mi pequeña selección de los mejores temas de Sons Of Anarchy. Si os interesa la colección completa, probad en este enlace.

 

Anvil and Franky Perez – Slip kid

 

Battleme – Hey, hey, my, my

Five Horse Johnson – Fly back home

Alison Mosshart and The Forest Rangers – Trying to believe you’re mine

 

The Black Keys – Hard row

Noah Gundersen and The Forest Rangers – Day is gone

Marc Ford – Future too

Attika 7 – Crackerman

Ryan Horne – Terrible Tommy

Ed Sheeran – Make it rain

Paul Brady and The Forest Rangers – Gimme shelter

Bruce Springsteen – Adam raised a Cain

The White Buffalo and The Forest Rangers – House of the rising sun

Audra Mae and The Forest Rangers – Forever young

Billy Valentine and The Fores Rangers – All along the watchtower

Curtis Stiger and The Forest Rangers – This Life 

 

rock, metal y guitarras ruidosas