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Heavy Metal Christmas (3): Navidad jevi again

Ho, ho, ho, ya está  aquí la Navidad. ¿La odias? ¿La amas? ¿La celebras? En realidad, sientas lo que sientas, hagas lo que hagas, es inevitable soportar su banda sonora de cancioncillas moñas y repetitivas. Para que disfrutes o molestes en las próximas celebraciones nosotros dejamos por aquí unos villancicos metaleros, unas rolas protestonas, unas coplillas de fiesta y algunas versiones de clásicos.

Y, de regalo, nuestra playlist navideña al completo. Que ya es el tercer año que nos curramos esta selección. Venga, dale al play, comparte el turrón y el espumoso y no olvides mandarnos un pellizco del décimo premiado, que nos gusta comer como al que más.

Lemmy, Dave Grohl y Billy Gibbon – Run Rudolph run

Queen – Thank God It’s Christmas

Ska-P – Villancico

The Darkness – Christmas time (don’t let the bells end)

Venom – Black Xmas

Los Planetas – El espíritu de la Navidad

Joe Lynn Turner – Rockin’ around the Xmas tree

Bruce Springsteen – Santa Claus is coming to town

Mamá Ladilla – Viene la Navidad

Chuck Billy y Scott Ian – Silent night

Chivi – Me cago en la puta Navidad

Además de esta selecta lista, os pegamos la playlist al completo de Rockologia en Spotify.

 

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Bruce Springsteen – The river – 1980

¿Puede un recuerdo feliz convertirse en un mal recuerdo?

Bruce Sprinsteen hace un ejercicio fantástico de literatura en The river al conseguir una canción de pérdida y fracaso mezclando una historia personal emotiva sobre el fondo de la crisis económica.

En agosto de 1979 Springsteen decidió parar las sesiones de estudio del álbum sucesor de Darkness on the edge of town, casi completadas. Ni su vida privada ni la música que estaba grabando le hacían feliz, y tras una larga noche de reflexión decidió componer sobre el matrimonio y el amor perdido. Y nadie como Springsteen narra la desesperación de la pérdida en el “sueño americano”. The river ofrece una lamentable historia en primera persona. El protagonista recuerda las noches de escapada en coche a la orilla del río con su novia, momentos de felicidad juvenil que acabaron con un embarazo indeseado y una boda prematura: “then i got Mary pregnant (…) and for my nineteenth birthday I got a union card and a wedding coat”. Años después pierde su trabajo en la construcción y se encuentra sin dinero, con una mujer y una familia que no quiere: “Now all them things that seemed so important (…) them vanished right into the air/Now I just act like I don’t remember Mary acts like she don’t care”. Ni siquiera el recuerdo de aquellas escapadas al río le consuelan. Ahora representan el inicio de esta vida deprimente y nunca deseada: “those memories come back to haunt me (…) is a dream a lie if it don’t haunt me or is it somethig worse that sendes me down to the river”.

La canción se enmarca en  lo peor de la crisis de la construcción de los setenta y la forma en que afectó a las familias americanas, como la de su hermana, en quien se basa The river. Bruce canta en la voz de su cuñado el embarazo indeseado de Virginia Springsteen (en la canción Mary), la boda obligada, la pérdida de amor y esperanzas. El propio compositor explica que decidió dar una voz narrativa a un personaje masculino, joven, que se imaginaba en un bar explicando su historia a un desconocido sentado al lado, con unas cervezas. “Observé a mi cuñado perder su bien remunerado empleo y trabajar duro sin quejarse para sobrevivir”. Cuando su hermana la escuchó por primera vez, le abrazó y dijo “esa es mi vida”.

El ritmo es muy importante en la composición y la épica de The River. La canción comienza con la armónica y la guitarra recreando el tema principal e inmediatamente se oye a Springsteen cantar con intensidad y dramatismo. Tan solo tras seis versos aparece el estribillo, que se repetirá otras dos ocasiones. El ritmo narrativo varía en la siguiente estrofa, de siete versos, donde aparece otra vez el estribillo, modificado. Los versos riman de manera aleatoria, en apariencia, pero siempre remarcando partes importantes de la narración. Tras una larga estrofa final, cierra con la repetición del estribillo y una coda vocal sin letra “uuuh” hasta el fade final.

Tras aquellas semanas de descanso, lo primero que hizo Bruce fue grabar con la E Street Band The river en los Power Station del 26 al 29 de agosto producida por Jon Landau y con Neil Dorfsman y Bob Clearmountain como ingenieros. Acabó cerrando la cara B del primer vinilo y dando nombre al álbum que se publicó el 17 de octubre de 1980. Como single se editó en Europa en mayo de 1981.

 

 

Diez canciones sobre el Metro

metrorock_logoRemedio al transporte colectivo, el tren subterráneo se ha extendido con diferentes aspectos, estructuras y  pirotecnias arquitectónicas por ciudades grandes y menos grandes del planeta, siempre con el común de las personas que transitan día y noche por sus vagones. No podía ser de otro modo, muchos de nuestros artistas favoritos se han inspirado en su transitar por el Metro y aquí compartimos una pequeña selección.

Dale al play…

Barón Rojo – Travesía urbana (1988)

Atravesar “las inquietas aguas de una dura ciudad” donde “en la corriente subterránea y gris” los “gusanos locos escupiendo luz” engullen a la multitud. Un viaje real y metafórico por el subterráneo de la ciudad y sus estaciones “travesía de Ventas hacia Colón, Callao, Retiro y Bilbao”. Lo escuchamos en el No va más.

New York Dolls – Subway train (1973)

Aparece en su álbum debut, un lamento durante el trayecto de Metro en plena crisis existencialista: “I can’t ever understand/Why my life’s, been cursed, poisoned, condemned”.

Amaral – La barrera del sonido (2008)

Amaral, haciendo referencia a estaciones del Metro de Madrid, canta “otra mañana en el Metro/que me he cruzado contigo/(…)/este vagón de sombras/sigue y sigue su camino/hasta el puente de Vallecas tú/y yo hasta Cuatro Caminos”. Del álbum Gato negro, dragón rojo.

Boikot – Esperando en el Metro (1990)

En la primera canción de su debut Los ojos de la calle se marcan este medio tiempo “esperando en el Metro/hasta que salga el sol”. Canción de un hombre cansado que lamenta su situación “qué bien se ve desde la ventana/qué bien se ve desde el televisor”.

Tom Waits – Downtown train (1985)

Con su estilo característico (a este tipo lo odias o lo amas), narra una historia sobre el deseo y la soledad con las chicas del Metro como necesidad: “the downtown trains are full/With all those Brooklyn girls/They try so hard to break out of their little worlds”. Waits se dirige a una de ellas: “Will I see you tonight/On a downtown train/Every night its just the same/You leave me lonely, now”. De su álbum Rain dogs.

Kaka de Luxe – Viva el Metro (1978)

Una irónica letra con la subida del precio del Metro de Madrid como fondo: “qué ilusión, qué ilusión que tengo/qué ilusión, ha subido el Metro”. Es una alegría, una celebración “qué felicidad que sea tan caro/el Metro más feo de Europa” para poder gastar todo el dinero “de Portazgo a Plaza Castilla/me gasté más de veinte duros” porque “he abandonado todos mis vicios/(…)/el Metro todo lo suplirá”. De su inciático EP llamado como la banda.

Los Suaves – El último Metro (1993)

En Malas noticias incluyen esta triste canción “dónde vas, dónde vas/viajando en el último Metro/(…)/y sola regresas a casa/tirada en el asiento de atrás”. El Metro como escenario de la tristeza al final del día.

Beastie Boys – Stop that train (1989)

Haciendo el gamberro en el Metro de Nueva York (“D-train raid to Coney Island”) rompiendo ventanas y puestos hasta arriba de cocaína. De su álbum Paul’s boutique.

Ramoncín y W.C.? – Ponte las gafas(1978)

Irreverente y juvenil, en su debut Ramoncín canta la historia de un vicio del suburbano: “ponte las gafas/ríete de ellos/(…)/mastúrbate en el Metro/nadie te verá”. Una canción de desfase y con un toque surrealista delicioso.

 

 

…Y de regalo, una sonrisa.

 

Chinnichap: la máquina de éxitos de los 70

La máquina de componer éxitos que formaron Mike Chapman y Nicky Chinn consiguió A-376350-1335823235.jpeg.jpgcolocar más de treinta temas en el top 10 británico en la década de los setenta. En una semana de 1974 tuvieron tres canciones copando las ventas de singles: Tiger feed (Mud), Tinage rampage (The Sweet) y Devilgate drive (Suzy Quatro), que, además, copó el número uno la siguiente semana. En total vendían casi una cuarta parte de los éxitos aquellos meses.

A pesar de su éxito, o precisamente por ello, su estilo fue menospreciado por la crítica sesuda, ya sabéis, metiéndolo en el cajón de bubblegum music (música chicle), música de mascar y tirar, música cuyo encanto o sabor dura lo que un chicle. El estilo Chinnychap: melodías pegajosas, letras sencillas con dobles sentidos, ritmos bailables, armonías simples, notas repetitivas, estribillos a varias voces. Sin embargo, el tiempo ha mantenido aquellas canciones en la memoria del rock y el pop como parte fundamental del éxito glam. Grupos como Sweet o Suzi Quatro mantenían la esencia de Bowie o Bolan sin su aire andrógino o su mística, pero con una simplicidad adorable.

Cuando el glam se desinfló en las Islas Británicas, justo cuando llegó el punk, se mudaron a los Estados Unidos y, como compositores o productores, juntos o por separado, se encargaron de elevar a los altares (principalmente Chapman) a Blondie (Hanging on the telephone y su álbum superventas Parallel lines), The Knack (My Sharona), Pat Benatar (Love is a battlefield) o Tina Turner (The best).  Su último éxito, en este caso de Chinn, data de 2010 y lo cantó Selena Gomez.

Así pues, la máquina que formaron Chapman y Chinn creó un estilo multiventas que alcanzó las listas de ambos lados del Atlántico. Vamos con nuestro pequeño homenaje a estos rompelistas.

The Sweet – The ballroom blitz – 1973

Arrows – Touch too much – 1974

Smokie – Needles and pins – 1977

Suzi Quatro – Can the can – 1973

New World – Living next door to Alice – 1972

Mud – Tiger feed – 1974

Tina Turner – (Simply) the best – 1990

Exile – Kiss you all over – 1978

Pat Benatar – Love is a battlefield – 1983

Tom Petty – I won’t back down – 1989

Tom Petty I wont back down

La composición de este tema supuso para Tom Petty una liberación, una expresión artística de su sentimiento de victoria en la lucha contra sí mismo y contra el pirómano que prendió fuego a su casa en mayo de 1987 con su familia dentro. Los siguientes meses Tom los pasó en casas de amigos, de habitación en habitación de hotel, enfrentándose al miedo que la muerte cercana le había dejado y al hecho de que el pirómano nunca fuera descubierto. Él decidió reconstruir la casa en el mismo sitio, continuar donde estaba, el leiv motiv de I won’t back down: “I will stand my ground/and I won’t back down”. Se dirige al pirómano: me quedo en mi sitio, no me rendiré (literalmente, “no me echaré para atrás”) y añade: “You can stand me up at the gates of hell/but I won’t back down”.

El propio músico reconoce una vinculación muy especial con esta canción, afirmando que sintió un escalofrío durante el proceso compositivo, y que el hecho de estar tan unido a su vida real le permitió dejarla desnuda, sencilla, directa. Sin embargo, en el estudio tuvo muchas dudas, precisamente por esa simpleza, por referirse a algo tan concreto. Fue el coautor del tema, Jeff Lynne, quien le animó a perseverar con ella; la arreglaron y el toque mágico de Mike Campbell, guitarrista de los Heartbreakers, hizo el resto.

La canción no puede ser más sencilla (y eso estando Jeff Lynne por ahí ya es mucho decir). Apenas tres versos y un estribillo. El primer verso ya contiene el tema principal “Well, I won’t back down/no, I won’t back down/You can stand me up at the gates of hell/but I won’t back down”. En el segundo verso Petty se reafirma: “No, I’ll stand my ground/won’t be turned around” para recordar en el estribillo el esfuerzo: “I won’t back down/Hey baby, there ain’t no easy way out”. El tercer verso redondea la idea añadiendo: “I got just one life/in a world that keeps on pushin’ me around/but I stand my ground/and I won’t back”. Cierra el tema una variante del estribillo tras un acertadísimo solo de Campbell con un slide tan emocionante y simple como la propia canción.

Tom Petty I wont back down 2A pesar de basarse en una historia tan personal se convirtió en referente para mucha gente en los años sucesivos, por su espíritu de lucha ante la adversidad, la resilencia que nos permite enfrentarnos a nuestros miedos y seguir nuestra vida. Tras los atentados del 11 de septiembre en Nueva York, mucha gente se agarró al lema de I won’t back down. Petty la tocó con su banda en uno de los conciertos de homenaje a las víctimas, de hecho.

Nunca debe menospreciarse el poder de una pequeña obra de arte de apenas tres minutos.

La canción tiene otra curiosa historia. Petty y Lynne ganaron un Grammy gracias a ella… pero 26 años después. El artista Sam Smith llegó al número uno de ventas en medio mundo con Stay with me y ganó un Grammy a la mejor canción en 2015. Resulta que estaba “inspirada” en I won’t back down y acabaron registrados Tom y Jeff como “co-autores”, recibiendo su correspondiente Grammy.

La compañía decidió editarlo como primer single del álbum Full moon fever de 1989 grabando un vídeo en el que aparecen junto a Tom Petty el productor y co-compositor del tema Jeff Lyne, los guitarristas Mike Campbell y George Harrison y el batería Ringo Starr. En el álbum tocó la batería Phil Jones y metió coros Howie Epstein. Como single alcanzó ventas modestas (llegó al número 12 en Estados Unidos y al 28 en el Reino Unido) pero abrió la puerta al disco más vendido de Tom Petty.

Bob Dylan – Hurricane – 1975

hurricane

Bob Dylan decidió componer un alegato contra la injusta (en su opinión) encarcelación de Rubin “Hurricane” Carter tras leer la biografía de este boxeador negro, donde despotricaba sobre las trampas del sistema legal clamando por su inocencia. Dylan quiso conocerle en la prisión y sintió la necesidad de apoyarle, dar luz pública a su caso como ejemplo de la discriminación racista que marcaba aún a muchos estados de su país.

Era el verano de 1975 cuando, junto a Jacques Levy, dio forma a “Hurricane” y la grabó por primera vez. La producción corrió a cargo de Don DeVito. Se vio obligado por la propia compañía, antes de editarla, a realizar una nueva grabación modificando la letra. Parece ser que la historia contiene licencias del artista sobre “la verdad” y “sus protagonistas” con el fin claro de influenciar a la audiencia en favor del boxeador que podrían haber acabado con acciones legales indeseadas. Aun así, no se libró de pasar por los tribunales. Tras esos cambios se realizaron las sesiones definitivas en octubre y se editó como single en noviembre.

Aunque de estructura repetitiva a lo largo de los más de ocho minutos que dura, la dinámica de la voz y el fraseo de Dylan, el ritmo acelerado y los interludios de violín son el gancho de la canción, subiéndola un escalón sobre las demás del álbum “Desire”. Dylan utiliza un estilo narrativo en donde encadena imágenes fijas muy coloridas con escenas del proceso sacadas, principalmente, de las memorias y las conversaciones con Carter. En todo momento sitúa al oyente claramente a favor del boxeador como víctima de artimañas y mentiras con el único fin de condenarle (“Here comes the story of the Hurricane/the man autohrities came to blame/for something that never done”). Se organiza en veintidós estrofas agrupadas en once parejas de cuatro+cinco versos, con pocas variaciones interpretativas salvo en la voz de Dylan y en el violín de Scarlet Rivera.

Dylan se mete en el papel del narrador y modifica la entonación no solo en función de la melodía si no del momento dramático de la historia, dando cierta coherencia a su relato. A la vez, el violín enriquece la canción con pequeños interludios entre cada pareja de versos a modo de transiciones. La percusión de Luther Rix (congas) y Howie Wyeth (batería) también es reseñable y muy acertada. Junto a ellos, el guitarrista Steven Soles, el bajista Rob Rothstein y las voces de Ronee Blackley y Steven Soles dando el contrapunto a Dylan.

Alcanzó el puesto treinta y uno en Estados Unidos y fue certificado oro en países tan dispares como Italia y Australia. A pesar de abrir el álbum “Desire” (publicado en enero de 1976), que vendió más de dos millones de copias, y de su indudable visibilidad, duró poco en el cancionero en vivo del artista. La última vez que lo interpretó fue ese mismo mes de enero. Del mismo modo, es curioso que siendo una de las canciones más populares de uno de los discos más vendidos de Dylan apenas cuente con versiones de otros artistas. Tal vez la historia y su mensaje sean demasiado evidentes y particulares a un contexto y al propio sentir del artista. La más interesante la grabó Ani Di Franco en el año 2000 en su EP “Swing set”.

Rock cristiano en Hispanoamérica.

guitar-christian-stickerPoco amigos de decantarnos por ideologías o colorear nuestro blog con opiniones unitarias, aunque sabéis los habituales de qué pies cojeamos, nos apetecía dedicar una entrada al rock y al metal de mensaje cristiano. Rebuscando por la web, actualizando nuestra ignorancia y preguntando a los que saben hemos recopilado una serie de bandas repartidas por diferentes países de Hispanoamérica, intentando acaparar las diferentes sensibilidades sonoras. No es nuestra intención destacar a estas como “las mejores”, simplemente nos han gustado por diferentes motivos.

Para los que ya conocéis a estas bandas o a otras afines, bienvenidas vuestras opiniones y aportes. Para los que jamás hayáis acercado vuestra oreja a este tipo de rock, este es un buen momento.

Vox Dei (Guatemala)

Grupo de Guatemala, emblema del rock cristiano en español, comenzaron su andadura en 1992 con Torre fuerte. El tema Quítate la máscara pertenece al disco del mismo nombre de 1997.

Logos (Argentina)

Banda formada a finales de los ochenta por Alberto Zamarbid y Miguel Roldán, escindidos de V8, debutaron en 1993 con La industria del poder. Eligieron la palabra griega “logos” como nombre del grupo en referencia a la “palabra de Dios”.

Alex Campos (Colombia)

Ganador de tres premios Grammy Latinos, Alex Campos desarrolla su propuesta rock Misión Vida desde 1999 con Tiempo de la Cruz. Su carrera mezcla estilos diversos (pop, rock, funky y ritmos latinos) siempre dentro de la comercialidad y el mesaje cristiano. El tema Regreso a ti pertenece al álbum del mismo título.

Serpulcro Vacío (Costa Rica)

Tremendo experimento sonoro que mezcla bases progresivas, con voces guturales, velocidad thrash y letras contundentes. Róger y Adrián Soto han protagonizado la Historia del grupo desde su debut homónimo en 2007, de donde sacamos este Seres inmortales.

Rescate (Argentina)

A lo largo de más de quince años la banda de Ulises Eyherabide ha paseado su música por escenarios de toda América. Debutaron con Puentes para madurar en 1992. El tema Soy José, con su mezcla de rock y reggae, pertenece a Arriba!.

Rojo (México)

Entre el pop y el rock, el grupo de Emmanuel Espinosa ha traspasado fronteras sonoras enviando su mensaje. Debutaron en el año 2001 y escogemos como muestra este Alabad a Dios de su álbum Apasionado por ti.

Ian (Argentina)

Banda liderada por Marcos Ian (Rata Blanca) que desde su debut en 2006 se ha dedicado a trabajar una base heavy ruda pero sin perder la melodía, con claras referencias a los Metallica del “black album”. Componen parte del grupo gente conocida en el género como José Velocet, Sergio Berdichevsky o Gustavo Rowek. El tema Yo soy aparece en su Nuevo Orden de 2012.

Pescao Vivo (Colombia)

Desde su debut en 2005 van dando guerra con un pie en el rock comercial y otro en los ritmos bailables, con una propuesta que ha ido generando una gran base de fans. El tema De rumba pertenece al disco en directo Salvavidas.

Strike 3 (México)

Banda metalera con groove enérgicos y vocalizaciones intensas que recuerdan a Linkin Park o Alice in Chains por momentos. De su debut de 2003 extraemos Vivir así.

 

 

 

Más canciones de guerra (en nuestro idioma): las vuestras.

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Como ya decíamos en la entrada anterior dedicada a las canciones de guerra en nuestro idioma, hay variedad y calidad. Después de nuestra pequeña selección, aquí colocamos algunas de las que habéis sugerido a través de facebook, twitter o el propio blog. Pero aún hay más.

Topo – Guerra fría

Uno de mis discos favoritos de la banda madrileña Topo, Marea Negra, incluye esta deliciosa vacilada sobre el telón de acero y la infalibilidad de los dos bandos: “inventemos un telón alrededor”. De aquel lejano 1982.

 

Somas Cure – El buen soldado

Del más que recomendable Mitos acercamos a esta recopilación El buen soldado, con su letra reivindicando la injusticia de la batalla: “armados/son niños mis señor/es inhumano”.

 

Raza – Bomba de neutrones

Formó parte del single de 1984 Romperás su corazón. Rocanrol que inventa “máquinas para matar” donde “un refugio bajo tierra te lo venden como salvación/para cuando aprieten el botón”.

 

La Raíz – Suya mi guerra

Cambiamos radicalmente de estilo y de época. Era el año 2013 y en el álbum (muy recomendable) Así en el cielo como en la guerra los valencianos La Raíz dedicaron a la Guerra Civil este alegato denunciando la barbarie del conflicto y a ese “mundo que miró para otro lado”.

 

Ilegales – Angel exterminador

Curiosa balada de uno de los grupos más originales de nuestro panorama roquero. Alegato surrealista sobre el soldado héroe: “guerra excitante te amo/yo también quiero ser ministro de la muerte”. Del álbum Chicos pálidos para la máquina (1988).

 

Asfalto – Al otro lado

Once minutos de canción sobre la huida de la guerra, la historia de quien cruza las montañas, las fronteras, para llegar al otro lado, a la salvación (qué pena que sea una letra tan actual). Dio título al disco homónimo de 1978, el segundo de Asfalto.

 

Kaos Etílico – Guerra

La compañía Gor completó su magnífico catálogo de 1998 con un álbum de punk-rock titulado No hay agua. En ella escuchamos esta brevísima pero muy clara tonada explicando porqué hay que declarar la guerra al pueblo invasor (hablando de los yanquis y sus colonizaciones).

 

Miguel Ríos – Bienvenida Katherine

El eterno Miguel Ríos dedicó un álbum completo de título La huerta atómica a contar una “historia de anticipación” sobre un posible ataque nuclear muy particular. Entre todo el álbum me gusta especialmente esta historia de amor en medio de la batalla (“pechos que retumban con tus aviones”).

 

Pánzer – Galones de plástico

Canción anti-militar que apareció en el segundo álbum de Pánzer, titulado Sálvese quien pueda (1983). Un alegato contra el servicio militar obligatorio, un clásico de época.

 

Música moderna: junio 2017

Como ya sabes, en esta sección compartimos las escuchas gustosas de discos recientes (novedades incluso). Este mes nos hemos vuelto un poco heavies y no traemos propuestas poperas, melódicas y nada de blues. El mes que viene ya veremos. Así que toca disfrutar de un poco de heavy guitarrero, hard melódico, mucho estribillo y algún teclado sobresaliente. Siete propuestas, siete, variopintas, con una mezcla de nuevo y clásico muy equilibrada.

A darle al play…

saltingearth-300x300 Richie Kotzen – Salting Earth (2017)

Este hombre está dejando un legado impresionante, tanto en solitario como en sus múltiples aventuras grupales. Este disco, el 21 de su carrera, está entre mis favoritos. Richie no solo es un guitarrista impresionante si no que se ha convertido en un gran cantante, con una voz que juega a ser Sammy Hagar, David Coverdale o Paul Rodgers. Destacan los guitarrazos de End of Earth, Make it easy (con un gran estribillo) o Thunder, la comercialidad de Meds o I’ve got you y la estupenda My rock, donde no hay guitarras y la orquesta toma el poder.

Ultima Frontera – Lo que el corazón grita (2017) descarga

Lo que más me gusta de este disco es el rollo hard sucio de la producción y la pegada rítmica de las canciones. Sobre esta cama sonora, unas buenas guitarras (sin mucha originalidad, pero bien trabajadas), letras curradas, varios estribillos pegadizos y mucha mala leche. Disfruto más de las canciones del final del disco, quizá algo más arriesgada y trabajadas, sobre todo Lobo de mar y Héroe desconocido (excelente estribillo, melodía lineal y pegadiza). De lo mejor, la voz que se escurre al terreno Bumbury con acierto en La rueda, la crítica social de Refugiado, la velocidad de Instinto animal y el entramado de guitarras de La parte oscura. Álex Huerta canta y comparte la guitarra con Jónathan Jiménez, el bajo para Alberto Pérez y la batería para Álvaro Asenjo.

709_KATL_RGB-e1494840172597.jpg Kobra and the Lotus – Prevail I (2017)

Los que seguís este blog ya sabéis que no soy muy amigo de las bandas con voz femenina al frente, sobre todo por lo repetitivo de las propuestas. Sin embargo Kobra Paige ha conseguido comandar un disco con muchos aciertos y sin caer ni en el revival heavy ni en la (cuasi)copia de otras bandas con mujer al frente. Triunfan los riffs duros, las líneas vocales melódicas y todo con una mano en el metal de producción actual y otra en el power metal americano más clásico. Por darle un pero, falta algún estribillo cañón o algún tema diez.A destacar: Specimen X (the mortal chamber)GothamManifest destiny, la instrumental Check the Phyrg y Hell on Earth. El disco al completo merece la pena (excepto la balada moña).

Ayreon – The source (2017) Ayreon-The-Source

Tiene una escucha larga y atenta (más de una, porque no entra entero a la primera). La historia trata de la autodestrucción de los Alphans, unos antecesores de nuestra humana existencia, para salvar el planeta y las consecuencias de ello. Me pierdo un poco en el texto y a veces se hace duro seguir las letras, pero no cabe duda que si escuchamos esta épica obra por partes estamos ante uno de los mejores trabajos de Arjen Lucassen. Mantiene la esencia de buenas melodías, estribillos y puentes grandiosos y verdaderos riffs heavies. Y excelentes cantantes bien dirigidos: James Labrie (Dream Theater), Russell Allen (Symphony X y Floor Jansen (Nightwish) hacen un trabajo tremendo. Producción impecable. Entre la amalgama temática, pincha The day that the world breaks down, Run! Apocalypse! Run! con un recuerdo a Rainbow tremendo en los teclados y las guitarras, la ruptura rítmica de Everybody dies, la arabesca Deathcry of a race con su intro de flauta o Bay of dreams.

Phase II Phase – Face it (2017) PHASE II PHASE Cover 3000x3000.jpg

Excelentísimo álbum de hard rock melódico lleno de todo lo bueno del género: melodías vocales y estribillos pegadizos, teclados deslumbrantes, guitarras rítmicas acopladas, duras cuando hace falta, con algunos solos de manual. Y composiciones a la altura de los grandes, sencillas en su mayoría y con sus recuerdos a Journey, Survivor e, incluso, a Autograph o Van Halen de segunda mitad de los ochenta. Sin embargo, la mezcla deja en ocasiones muy desnuda la voz de Zalo López y su inglés no siempre está a la altura de las melodías y desencaja un poco el resultado final. Por lo demás, consistente producción con los instrumentos nítidos. Tremendo comienzo con Running out, Feel the heat, Greed o (de mis favoritas) Future. A destacar también el rollo más duro de Heaven and hell, How do I feel y Where do we go o la bien estructurada Will you remember me (más AOR no se puede ser). Un pelotazo el de estos madrileños.

saurom_20_al_mundo_de_los_suenos-portada Saurom – 20… al mundo de los sueños (2016)

Otros que están labrando una discografía para enmarcar son los gaditanos Saurom. Este directo grabado en el Real Teatro de Las Cortes de San Fernando va más allá de un simple recopilatorio en vivo. Merece la pena ver el DVD con su cuidada presentación y el juego coral de toda la banda. Y merece la pena escuchar esta colección de auto-versiones, muchas de ellas especiales, como La musa y el espíritu o Dalia. Gran voz y entrega de Miguel Ángel Franco y espectacular Narci Lara, como siempre. Aunque siendo sinceros, toda la banda roza la perfección (algunos fallos de sonido puntuales). A destacar: Cambia el mundo, Náufrago, Vida, La batalla con los cueros de vino o Memorias de un héroe.

Walpyrgus_Walpyrgus-Nights-500x500.jpg Walpyrgus – Walpyrgus nights (2017)

Pues, siendo sinceros, me ha parecido este álbum una gozada. Hay mucho de “recorta-pega” o “me-suena-un-montón-esta-melodía”, desde luego, y muchas canciones se anclan en algún lugar de la Historia del heavy melódico, pero, qué coño, quién no disfruta de temazos como The dead of night (puños al aire), Dead girls (esos Misfits), Palmistry, Somewhere under summerwind o Lauralone, con esas guitarras dobles que recuerdan a Thin Lizzy o Iron Maiden. O la construcción de She lives con un teclado homenaje al mismísimo Jon Lord. O el groove de Walpyrgus nights, con su deliciosa melodía, casi nada. La voz de Jonny Aune de lo mejorcito, junto con el trabajo de los guitarristas Charley Shackelford y Scott Waldrop. De Carolina del Norte.

 

 

 

 

 

 

Canciones de guerra (en nuestro idioma): guerrock.

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Es inabarcable el cancionero sobre la guerra y sus derivados. Desde las canciones protesta hasta las canciones sobre batallas épicas, pasando por los temas dedicados a soldados y armas o las consecuencias de los conflictos bélicos en la sociedad civil. Alguien debería hacer un tratado recopilando y clasificando todas esas canciones. Y no seremos nosotros, más de discutir de nuevo con un par de cervezas quién es el mejor cantante de AC/DC que de sentarnos a hacer una reflexión inteligente y rebuscar en los forros cerebrales o históricos. Sin embargo, nos hemos permitido bautizar Guerrock al género en español (o castellano o argentino o el idioma del Quijote y García Márquez).

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Y por si os apetece comenzar a investigar en el asunto, y como regalo, y porque nos da la gana dedicar una entrada a las canciones de guerra en nuestro idioma, aquí os dejamos una pequeña recopilación alrededor de la guerra y sus consecuencias. Como siempre, es nuestro gusto personal y te invitamos a proponer cualquiera que te guste, sea del género que sea.

Allá vamos…

Barón Rojo – Hiroshima

Incluida en uno de los mejores discos del heavy patrio, Metalmorfosis de 1983, los barones recuerdan el desgraciado episodio de la explosión atómica de Hiroshima: “un genocidio en nombre de la paz/ grosera farsa infernal”.

 

Medina Azahara – El soldado

Grabada para el histórico Caravana española de 1987, nos relata los pensamientos de un soldado que “nunca quiso ser soldado” y al que “solo le queda soñar”.

 

Ska-P – El niño soldado

Y hablando de soldados, Ska-P dedican este tema a los niños obligados a disparar. Apareció en su álbum ¡¡Que corra la voz!! del 2002.

 

Barricada – Invitación a la pesadilla (obligada)

También sobre soldados y “qué hago yo aquí metido en medio de este rebaño” trata este tema de Barricada: “matar o morir”. El original debutó en Pasión por el ruido de 1989. Aquí el vídeo en directo.

 

El Ultimo Ke Zierre – ¡Ay, Carmela!

Otro subgénero del Guerrock sería el dedicado a la Guerra Civil. En este caso, EUKZ hace una versión de un tema de la época, el popular ¡Ay, Carmela!, que se cantaba en las filas republicanas durante la batalla del Ebro. De su álbum Que se repartan el mundo de 1993.

 

A Palo Seko – Makis guerrilleros

Dentro del mismo subgénero, los hay que componen canciones originales sobre el tema, como A Palo Seko y su homenaje a los makis guerrilleros de la contienda. Aparece en El disko rojo de A Palo Seko de 2010.

 

Almafuerte – El visitante

Emparentado con esto de las consecuencias de los derrotados se creó otro subgénero en Argentina tras la guerra de Malvinas, sobre todo por la desprotección y el aislamiento que sufrieron los excombatientes al volver a casa. Sirva este tema de Almafuerte y su letra tremenda: “Olvidar yo sé bien que no podés/ cómo la sociedad olvida que fuiste obligado a marchar en su defensa”. En el álbum A fondo blanco de 1999. Aquí la versión acústica.

 

Rata Blanca – Gente del sur

Y siguiendo con las Malvinas y sus consecuencias, Walter Giardino compuso este corte para el debut de Rata Blanca en 1988. Habla del dolor de la guerra: “madres de hoy lloran sus hijos/en una plaza de la ciudad/y el gran imperio bebió la sangre/del que pedía su libertad”.

 

Rosendo – Go home!

Y a medio camino entre las canciones de guerra y las canciones protesta, Rosendo compuso Go home! sobre las invasiones yanquis en países latinoamericanos que con mayor o menor disimulo fueron comunes den los setenta y los ochenta. Del álbum Deja que les diga que no! aparecido allá por 1991.

 

Celtas Cortos – Haz turismo

Y del mismo tema, con su rock ská y su mala leche en las letras, Celtas Cortos invitan a hacer turismo invadiendo un país: “es barato y te pagan la estancia”. Se hicieron famosos aquel año 1990 con el álbum Gente impresentable.

 

Legion – Mili KK

Y para los más viejos del lugar, el subgénero Guerrock añorado: “la Mili”, es decir, el servicio militar obligatorio. Allá por los años setenta y ochenta ningún joven barón se libraba de pasar una temporada por el ejército. Y se creó una oleada de temas en contra de “la Mili”. Uno de los más contundentes, este de Legion de su Lethal liberty. Corría el año 1989.

 

Esturión – La guerra

Y con más sensibilidad y menos caña, los madrileños Esturión protestaban por “perder un año de mi vida” cuando “yo solo tengo un arma/ y un único uniforme/mi guitarra es mi fusil/mis baqueros voy a vestir”. Aparece en su debut de 1989 titulado Vicio.

 

Pues para ser unos vagos y no querer hacer un tocho enciclopédico ya nos hemos currado una interesante introducción al tema. Faltan muchos y esperamos que te animes y nos recomiendes tu tema favorito. Como regalo, una canción para orejas sensibleras. Si de guerras hablamos y sus consecuencias, no puedo dejar de lado la letra de Querida milagros de El último de la fila (“no estaría de más que alguien me explicara/qué tiene esto que ver contigo y conmigo”).